Parte 1 – 30 minutos
La aventura de convertirse en artista plástico
¿Estás intentando aprender a pintar con la técnica de pintura realista, pero te das cuenta de que estás estancado o estancada? ¿Te das cuenta de que por más que lo intentas no consigues avanzar y que los comentarios y tutoriales que escuchas en las diferentes redes sociales no hacen más que confundirte?
Si ese es tu caso, no te preocupes más, en esta clase magistral te voy a explicar mi técnica de enseñanza de dibujo y pintura realista e hiperrealista y cómo puedes pasar al siguiente nivel y despegar como artista plástico.
He leído muchos comentarios de estudiantes de arte que se frustran al ver que su trabajo queda totalmente arruinado por errores en las proporciones del dibujo, porque no consiguen pintar colores naturales o porque sus colores acaban sucios o irreales.
También he visto a muchos estudiantes de arte aventurarse a pintar una obra compleja en la que aparecen tanto personajes como objetos, o paisajes con una diversidad de formas, colores y texturas con iluminaciones complejas y difíciles de pintar y que al final acaban frustrados y desanimados porque no han sido capaces de interpretar pictóricamente ciertas texturas, ciertos colores o ciertas sombras.
Recientemente di un consejo a una persona sobre el tema del color y me sorprendió cuando me dijo que llevaba más de 20 años pintando. Este es un claro ejemplo de que cuando no se tiene una formación adecuada uno puede pasarse el tiempo sin progresar.
Pongamos un ejemplo para ilustrar esto:
Imaginemos que estamos de vacaciones en París… ciudad que no conocemos y deseamos ir a cierta parte de la ciudad para visitar un museo, digamos el museo del Louvre. ¿Qué opciones tenemos? Bueno pues, por lo menos tenemos 3.
1 – La opción sería… intentar ir a la aventura por nuestra cuenta utilizando el método de prueba y error.
2 – La siguiente opción sería, preguntar a los transeúntes que pasan por nuestro lado.
3 – Y la tercera opción… Podemos planificar nuestro viaje consultando un mapa actualizado de la zona.
¿Qué método será el más eficaz para llegar a nuestro destino lo más rápidamente posible y sin cansarnos ni causarnos frustración en el intento?
Veamos la opción 1:
El método de prueba y error podría llevarnos a tomar ciertas calles deambulando por ellas para darnos cuenta de que esa ruta está equivocada. Podríamos tomar rutas alternativas solo para darnos cuenta al final de que estamos dando vueltas constantemente.
En la opción 2:
Se trataría de preguntar a los transeúntes. Vemos a una persona que pasa a nuestro lado y le preguntamos por la dirección.
La persona nos dice: creo que está en esa dirección… baje usted la calle hasta el final y pregunte por ahí. Bajamos la calle, y encontramos a otra persona a la que le preguntamos por la dirección… nos dice: si mal recuerdo tiene que bajar 5 calles más abajo y girar a la derecha… pero para más seguridad pregunte por ahí. Cuando llegamos allí preguntamos de nuevo y nos dicen: No sé exactamente en dónde está esa calle… pero en esta zona estoy seguro de que no está. De modo que estamos como al principio
Luego tenemos la opción 3:
Cansados de preguntar y de dar vueltas… entramos en un quiosco y le preguntamos al dependiente ¿tiene usted un plano de París? Sí, nos contesta, aquí lo tiene. Ahora, con el mapa en la mano, podemos ver dónde nos encontramos y dónde está la dirección a la que deseamos ir. No solo eso… también podemos ver cuál es el camino más corto para llegar en el menor tiempo posible.
Y seguro que estaréis pensando: Hoy día todos podemos hacer uso de nuestro teléfono móvil como GPS y ver la ruta más rápida y qué transporte público podemos coger. Y es cierto eso… eso hace parte te la opción 3
¿Qué opción es la más sensata e inteligente? Sin lugar a duda la 3.
Pues aprender el oficio de artista plástico es como querer viajar a cierto lugar:
- Puedes intentar aprender por ti mismo con el método de prueba y error y pasarte media vida aprendiendo muy poco y cometiendo muchos errores.
- Puedes intentar aprender preguntando a personas aquí y allá… personas que tienen un conocimiento limitado y que también han oído de otros que también han oído de terceros. Imaginémonos la confusión que eso puede acarrear.
- Y finalmente, puedes aprender de un profesor de experiencia en la materia que te guiará paso a paso y te suministrará los materiales y ejercicios necesarios para que puedas progresar adecuadamente.
¿Qué hemos aprendido hasta ahora?
Que aprender el oficio de artista plástico es cómo emprender un viaje a cierto lugar concreto… si queremos llegar con éxito debemos planificar y escoger la mejor ruta.
Si estás leyendo esta primera parte de esta clase magistral es sin duda porque deseas convertirte un artista plástico de éxito.
¿Estás deseoso de emprender este fantástico viaje? ¿Viaje a dónde? A un lugar llamado Soy artista plástico reconocido de éxito.
En este viaje imaginario viajaremos juntos en un tren llamado… Cursos interactivos de dibujo y pintura realista e hiperrealista.
Cómo ya he mencionado nuestro destino final será la estación “Soy artista plástico reconocido de éxito.
Tu viaje para convertirte en experto en pintura hiperrealista
Vivimos en tiempos muy convulsos, pues todo a nuestro alrededor parece tambalearse. La crisis económica mundial está pasando factura a muchas instituciones, negocios y empresas establecidas desde hace decenios. En medio de esta situación, el artista se encuentra en una situación difícil. Además, las nuevas tecnologías contribuyen a hacer el mundo del arte cada vez más competitivo. Cada día nuevos artistas: licenciados, aficionados, autodidactas, etc. se incorporan a la red, ofreciendo sus productos en el escenario del mercado mundial, al principio con gran ilusión, pero para pronto enfrentarse con la dura realidad: la difícil tarea de hallar algún coleccionista o comprador de su obra. En medio de esta situación, queda clara la importancia que tiene ser diferente.
Como ya he mencionado, actualmente hay una enorme oferta de pintura en Internet y cada artista desea abrirse paso en este difícil y competitivo mundillo del arte. Para lograrlo no solo es necesario destacar entre los muchos artistas que presentan sus obras sino destacar entre los que destacan.
Por ese motivo muchos artistas pintores apostando por la excelencia en las Bellas Artes han decidido mirar al pasado en busca no solo de la inspiración sino de la técnica de los grandes maestros de la pintura académica.
Y es que los grandes maestros del pasado conocían el secreto del éxito y sabían que la inspiración no es suficiente. Tenían claro que el éxito no venía por casualidad, sino que implicaba gran disciplina y un amplio conocimiento de las técnicas artísticas.
Hoy en día se asume comúnmente que los principios estéticos establecidos por los maestros inhiben la singularidad o la autoexpresión del artista. Esta idea falsa ha sido promovida por movimientos a favor del supuesto “arte” moderno, pero sin lugar a duda, el conocimiento perfecto de las técnicas y su habilidad para usarlas son los mejores medios para liberar al artista y las mejores herramientas para expresarse de forma única.
Shoppyart Academy – Escuela de Arte es singular por el hecho de que ofrece cursos interactivos basados en las técnicas académicas de los grandes maestros del pasado, pero enriquecidos con las modernas técnicas de pintura los cuales capacitarán a los estudiantes a tener un fundamento sólido para llegar a ser grandes artistas del dibujo y la pintura.
Hagamos pues una retrospectiva y veamos un poco de historia
El Academicismo
“En Arte, se habla de una obra u obras académicas cuando en estas se observan unas normas consideradas «clásicas» establecidas, generalmente, por una Academia de Artes. Las obras académicas suelen hacer gala de una gran calidad técnica.
El academicismo es una corriente artística que se desarrolla principalmente en Francia a lo largo del siglo XIX, y que responde a las instrucciones de la Academia de Bellas Artes de París. Basa su estética en cánones establecidos y en la didáctica de estos.” (Wikipedia) Uno de los máximos representantes del movimiento academicista fue Adolphe Bouguereau 1825 – 1905
Obras académicas por Adolphe Bouguereau 1825 – 1905
Buscando esa excelencia, los pintores realistas e hiperrealistas actuales utilizan en parte las técnicas académicas del pasado, pero con nuevas aportaciones tanto en lo que tiene que ver con la técnica como en los materiales.
“Transparencias luz y color”, pinturas hiperrealistas por Paco Yuste
Plato de cristal con melones (1999), una pintura hiperrealista por Mauro David (1949–2007)
El Hiperrealismo. La ilusión de la realidad
El hiperrealismo surgió a finales de la década de 1960 en Estados Unidos y ha sido frecuentemente definido como realismo fotográfico, superrealismo e hiperrealismo. Cito textualmente algunas fuentes de consulta que aseveran que “El hiperrealismo surgió íntimamente relacionado con el arte pop de principios de la década de 1960 al recoger el gusto por los temas referentes a una sociedad de consumo y al incorporar en la obra un cierto tono de ironía. Su carácter definitorio vino dado por la traducción literal y fotográfica de la realidad” (Enciclopedia Salvat de historia del arte).
Los temas del hiperrealismo
Los temas principales de los pintores hiperrealistas o fotorrealistas fueron paisajes urbanos, escaparates, automóviles, motocicletas y demás objetos de consumo. Algunos de los artistas más memorables de esta época fueron John Salt, Robert Bechtle, Richard Estes, Ralph Goings o Don Eddy. Sus obras estaban basadas en fotografías que después reproducían fielmente y de una manera extraordinariamente meticulosa.
Otros artistas – cito algunos:
Antonio López, Arantzazu Martínez, Charles Bell, Charles Villeneuve, Christiane Vleugels, Claudio Bravo, David Parrish, Diego Fazio, Diego Gravinese, Don Eddy, Doug Bloodworth, EduardoNaranjo, Edward Hopper, Eloi Morales, Enrique Sobisch, Eric Christensen, Eric Zener, Franco Clun, Gina Heyer, Giusepe Mallia, Giusepe Muscio, Gottfried Helnwein, Hilo Chen, Hogo Laurenoena, Iman Maleki, Inmaculada Juarez, Itsvan Sandorfi, Janson Degraaf, Javier Arizabalo, Jean Olivier Hucleux Chauny, Jesus Monge Cebolla, Jesus Navarro, Joe Dowden, Jose Luis Corella, Jose Miguel Palacio, Josefa Medina, Juan Herrador Granero, Keng Lye, Lorenzo de Bruin, Magda Torres Gurza, Maria Ilieva, Mauel Francisco Cienfuegos, ModestoTrigoTrigo, Omar Ortiz, Omar Porras Marin, PacoYuste, Paul Cadden, Paul Roberts, Pedro Campos, Ralph Goings, Richard Estes, Robert Neffson, Roberto Bernardi, Robin Elei, Ruben Belloso Adorna, Samuel Silva, Sarah Graham, Shuta Ruelas, Stanislaw Zoladz, Steve Mills, Steve Smulka, Susan Harrell, Teresa Elliot, Thierry Duval.
Obras hiperrealistas de Christiane Vleugels
Obras hiperrealistas de Richard Estes
Rasgos identificativos del hiperrealismo
Una de las cosas que uno puede fácilmente notar en lo que al hiperrealismo se refiere es el hecho de que durante los últimos treinta años (del siglo pasado) ha quedado relegado a un segundo plano, solapado por la pintura abstracta. Su auge se ha ido poco a poco atenuando hasta ser rebajado a arte menor, en comparación con el estilo abstracto. De hecho, pocos críticos se han dignado hablar del hiperrealismo, y los que lo han hecho, han manifestado la opinión de que la tendencia es fría e impersonal, de que los artistas se limitan a reproducir con exagerada fidelidad, aunque a mano, las fotografías que han captado mediante su cámara fotográfica. A pesar de eso, numerosos críticos de arte reconocen el valor del hiperrealismo, reconociendo que los buenos pintores hiperrealistas tienen un talento que sobrepasa cualquier crítica. (Panorama de la peinture hyperréaliste, HYPERREALISM.net)
Uno de los rasgos identificativos de la pintura hiperrealista es el acabado limpio y cuidado de las obras, cuyos artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color. Otro de los rasgos identificativos es el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista. Una tercera característica es la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.
Presente y futuro del arte hiperrealista
La pintura realista ha sobrevivido en un entorno dominado por el arte abstracto, algo perfectamente demostrable a tenor de la gran cantidad de artistas contemporáneos que se dedican a este estilo. En cuanto al hiperrealismo, este se sigue consolidando, ya que la mayoría de los artistas que iniciaron este movimiento artístico han seguido trabajando, enriqueciendo y diversificando sus obras, y a éstos nos hemos agregado nuevas generaciones de artistas (Panorama de la peinture hyperréaliste, HYPERREALISM.net). Podemos decir, por lo tanto, que el hiperrealismo, no sólo no ha desaparecido, sino que ha ido mejorando y evolucionando, gracias a la valiosa aportación de nuevas generaciones de talentosos artistas.
Durante todo el tiempo en que la pintura abstracta ha prevalecido y dominado el panorama artístico, hemos podido contemplar de todo. Algunas de las más incalificables muestras de absoluta abstracción, han llegado incluso a ser vendidas por sumas exorbitantes a merced de una fuerte especulación. Pero parece que el tiempo coloca las cosas en su sitio, actuando como filtro, y ayudando a emerger aquella pintura que no necesita de especulación para ser valorada. Este es el caso de la pintura realista o hiperrealista. Algunos críticos señalan que son obras frías e impersonales desprovistas de subjetividad. ¿Qué hay de cierto en esas afirmaciones? En primer lugar, y antes de la realización de cualquier obra, los pintores hiperrealistas concebimos una idea que llevará a la creación de la obra. Para la ejecución de esta tomamos nuestras propias fotos, y aquí, sin lugar a duda, nuestra personalidad juega un papel muy importante, ya que debemos tomar decisiones en cuanto al motivo, iluminación, composición y colores, como lo hace un fotógrafo (y a este respecto nadie duda que la calidez o frialdad en el arte de la fotografía no depende de la cámara sino del fotógrafo). Además, muchos pintores modificamos la foto durante el proceso de ejecución, a veces eliminando detalles que no deseamos que aparezcan, en otras ocasiones agregando elementos, pequeños detalles que le dan vida a la obra y que están estrechamente relacionados con nuestra personalidad y nuestras vivencias, o con el objetivo de comunicar un mensaje al observador. En segundo lugar, hay que tener en cuenta que un lienzo no es una foto y que el hecho de tener que dedicarle mucho tiempo en la factura de la obra hace que esta al final se impregne de la personalidad del artista (Panorama de la peinture hyperréaliste, HYPERREALISM.net). Al final, el hecho de que unos artistas seamos más meticulosos que otros en la ejecución, que unos prefiramos que se vean las pinceladas más que otros, junto con la gran variedad de temas y composiciones de preferencia de cada creador, hace que las obras de cada uno de nosotros estén muy diferenciadas y resulten mucho más cálidas de lo que a primera vista pudieran parecer.
Así, como ya he mencionado, cada artista tiene su sello de identidad, que a veces es evidente, pero que a veces hay que rebuscar. Algunos de los detalles más minuciosos de las obras, como buscar una iluminación particular, unas gotas de agua en el pétalo de una flor, un reflejo o un rayo de luz descompuesto en sus colores cuando atraviesa un cristal etc. hacen que un observador se estremezca ante tal ilusión óptica creada. Si al mismo tiempo la obra tiene un mensaje subliminal o alegórico, implícito o no, entonces el observador no puede menos que quedar maravillado. Aunque algunos pudieran pensar que esto es una exageración, en realidad no es más que el fruto de la observación durante la mayoría de las exposiciones de este estilo de arte. El hiperrealismo es también una muestra de lo que el esfuerzo humano y el espíritu de superación, junto con un trabajo incansable, pueden llegar a conseguir. En definitiva, diré que son muchos los que se dejan seducir por las imágenes deslumbrantes e ilusionistas de las obras de arte hiperrealistas.
“Ceremonia”, pintura hiperrealista por Paco Yuste
Todos los artistas, y en especial (al menos desde mi punto de vista) los artistas realistas e hiperrealistas, somos sensibles a la belleza que nos rodea, y como tal, nos gusta plasmarla tal y como es. Es un modo de reivindicar lo natural, lo bello, de transmitir nuestros sentimientos y hacer que otros participen con nosotros en esa experiencia. Y aunque lo cierto es que ninguna imagen –ya sea fotográfica o pictórica-, supera la realidad, sí crea una ilusión.
El hiperrealismo y las nuevas tecnologías
Allá en los años 60, cuando comenzaron a crearse las primeras obras hiperrealistas, los artistas utilizaban sus cámaras para tomar las imágenes que luego plasmaban a mano en sus lienzos. Crear bocetos a partir de esas imágenes para hacerse una idea del resultado era laborioso. Sin embargo, hoy las cosas han cambiado enormemente. Actualmente, los artistas disponemos de cámaras digitales y teléfonos móviles para la toma de las fotografías, así como de sofisticados programas, como Photoshop, para realizar fotomontajes y retoques. Evidentemente, estos programas de ordenador le sirven al artista para desarrollar las ideas, depurarlas y realizar bocetos previos, no para la factura de la obra en sí misma, ya que de otro modo su trabajo entraría dentro de la categoría del fotomontaje o arte digital. La obra final se lleva a cabo pintándola a mano sobre el lienzo, tabla, o cualquier otro soporte. Así pues, la incorporación de estos nuevos recursos abre nuevos horizontes para los artistas hiperrealistas o fotorrealistas (preciso decir que algunos críticos recalcan las diferencias entre hiperrealismo y fotorrealismo, argumentando que el primero se encuentra en un nivel superior) lo que garantizará el avance y enriquecimiento del hiperrealismo en épocas venideras.
Paco Yuste de Monreal (2009). Hiperrealismo: La ilusión de la realidad. LLEI D’ART “La Revista de Arte Independiente”. Núm. 3. Págs. 81-83. Lleida (España)
Fin de la parte 1 – (Ver la parte 2)